In questo capolavoro sempre in equilibrio tra commedia e tragedia, l’aspetto privato del tormento amoroso è dal punto di vista teatrale altrettanto interessante di quello sociale, perché ne evidenzia il fattore umano e ce lo rende sempre attuale a distanza di secoli.
Tragici e comici insieme, Alceste e Celimene sono nostri contemporanei come coppia sentimentalmente impossibile: non si capiscono ma si amano, si sfuggono ma si cercano, si detestano eppure faticano a separarsi. Sono un uomo e una donna di oggi, con torti e ragioni equamente distribuiti, protervi nel non cedere alle richieste dell’altro, attaccati tenacemente alle proprie scelte di vita, in perenne conflitto tra loro.

Mistero Buffo, il capolavoro che ha segnato la storia teatrale del Novecento, è uno straordinario impasto comico-drammatico le cui radici affondano nel teatro popolare, quello delle sacre rappresentazioni medievali (chiamate misteri), dei giullari e della commedia dell'arte.
Per anni Dario Fo, insieme a Franca Rame, ha raccolto racconti orali, leggende e documenti di teatro popolare di varie regioni italiane e li ha ricostruiti in questo spettacolo. I monologhi, fortemente provocatori, hanno un sapore ironico e profetico che diverte, stimola, affascina; uno spettacolo che ha la capacità di coinvolgere anche le più giovani generazioni. Le giullarate, infatti, affrontano tematiche sempre attuali: il potere, l’ingiustizia, la fame, la ribellione, la ricerca di una vita degna da condividere gioiosamente.
I brani sono recitati in un linguaggio che mette insieme vari dialetti dell’Italia settentrionale e centrale: una lingua perfettamente comprensibile grazie alla potente gestualità di Mario Pirovano, che lo stesso Fo ha definito ‘fabulatore di grande talento’.

Un viaggio dentro al cambiamento personale, professionale, nazionale e musicale.

Un viaggio ironico, delicato e istruttivo: dalla scuola di Montanelli a via Solferino, dal primo articolo per 'La Provincia di Cremona' al 'New York Times', dai libri alla radio, dalla televisione all'attuale direzione di '7-Corriere della sera'. 'Italiani si rimane' (Solferino editore), il nuovo libro di Beppe Severgnini arriva sul palcoscenico. Il racconto non spiega solo le trasformazioni nei media a cavallo tra due secoli: parla del tempo che passa, del legame con la terra e la famiglia, del piacere di insegnare e veder crescere nuovi talenti. Una narrazione intima, una sorprendente messa in scena musicale. Il racconto e le letture dell'autore saranno infatti accompagnati da una colonna sonora: perché i Talking Heads e Bruce Springsteen, The National e Franco Battiato sono anche occasioni professionali. E hanno riempito la vita di molti.
Severgnini, che tra il 2014 e il 2016 ha portato 'La vita è un viaggio' in molti teatri italiani, sarà sul palco con Serena Del Fiore, giovane artista radiofonica ('conduttrice di sogni in Fm', si è definita). La guiderà o forse sarà guidato.

Lo spettacolo è il primo allestimento italiano del testo After Miss Julie di Patrick Marber, riscrittura del classico La signorina Giulia di August Strindberg.
É la notte del 29 aprile del ’45 a Milano sono in corso festeggiamenti per la Liberazione dall’occupazione nazifascista: momento storico che apre un periodo carico di conflitti e di trasformazioni che segneranno i costumi e la società italiana. Le tensioni tra le classi sociali e il desiderio di autodeterminazione delle donne sono i due motori della storia.
La vicenda si svolge nella cucina di un’antica villa alle porte della città meneghina in uno spazio seminterrato dove, la Signorina Giulia, donna dell’alta società italiana, decide di abbandonarsi alla trasgressione.

La Bella Addormentata, è un incredibile capolavoro del balletto classico. La dimensione del sogno risveglia la magia delle fiabe, un mondo incantato di castelli, foreste, maledizioni e incantesimi. Solo un bacio dell’amor puro spezzerà il sortilegio. Quest’opera, consacrazione del romanticismo, basato sul racconto di Charles Perrault "La Belle au Bois Dormant", integrato nello stile francese del XVIII secolo, è considerato una delle pièce che crea più interesse per il pubblico.
Questa rappresentazione del Russian Classic Ballet è una grande sfida per i ballerini, specialmente nell'interpretazione del personaggio principale Princess Aurora, che richiede uno stile cristallino elegante e fragile.
Il Russian Classical Ballet diretto da Evgeniya Bespalova si propone di conservare integralmente la tradizione del balletto classico russo. La compagnia è composta da un cast di ballerini diplomati nelle più prestigiose scuole coreografiche: Mosca, San Pietroburgo, Novosibirsk, Perm.

Questa fantastica corale di 27 elementi proveniente direttamente da Chicago/U.S.A., tornerà in Europa a Dicembre 2019 per una nuova indimenticabile tournée che attraverserà quattro nazioni toccando le città e i teatri più importanti.
I loro splendidi arrangiamenti sono un meltin’pot di toni musicali ed interpretazioni nuove e particolari che riescono sempre a creare un’atmosfera calda e coinvolgente, quasi senza pari nel panorama internazionale. Fondato a Chicago nel 2003 dal Rev. Dexter Walker, Zion Movement è una formazione di 35 artisti, divenuta in poco tempo una delle più ammirate e richieste nel panorama musicale internazionale. Con diversi anni di esperienza nell’arena della musica Gospel, Dexter Walker ha saputo rinnovare con maestria lo stretto legame tra il Coro e il suo pubblico, sfruttando anche arrangiamenti nuovi, ma soprattutto preservando la forma di quegli inni e quegli spirituals che appartengono alla più ricca tradizione della musica Gospel.
Il motivo fondante che guida ognuna delle scelte musicali del Dexter Walker & Zion Movement è il credere fermamente che la musica possa rappresentare qualcosa di più di semplici parole in melodia e che sia, anzi, una forza in grado di incoraggiare e coinvolgere chiunque si trovi ad ascoltare, diventando per ciascuno una preziosa fonte di ispirazione.

Definito dai media come il miglior mentalista italiano, Francesco Tesei da molti anni è l'ideatore di un genere di spettacolo assolutamente originale e unico. Diventato famoso attraverso la televisione con il suo format "Il Mentalista", andato in onda su Sky. Dicono di lui: “Un artista della comunicazione” Paolo Bonolis, “un talento davvero raffinato” Pippo Baudo, “Intelligente e spettacolare” Piero Angela.
Con "The Game" approfondisce ulteriormente le possibilità di questa forma di intrattenimento, impossibile da incasellare nei generi consueti perchè composto da incantesimi della mente per controllare l'imponderabile.
In The Game, Francesco Tesei fa del pubblico il vero protagonista interagendo con gli spettatori in una serie di giochi ed esperimenti il cui esito finale è appeso ad un filo molto sottile. Sfideremo la fortuna – ma anche la sfortuna - insieme a lui, giocando con gli incantesimi della mente. Uno spettacolo per tutti.

È una storia d'amore, tradimento e trionfo del bene sul male. Pieno di romanticismo e bellezza, da più di un secolo questo balletto delizia il pubblico.
La coreografia richiede, nella sua esecuzione, grande tecnica e abilità dei ballerini. La rappresentazione dei personaggi, in particolare nel confronto tra la purezza del Cigno Bianco e l’oscurità del Cigno Nero, richiede virtuosismo e un forte talento drammatico da parte dei ballerini solisti, culminante nei due "Grand Pas de Deux" nella seconda e nella terza scena. Un altro momento di forte impatto è l'incantevole "Danza dei piccoli cigni".
Il Russian Classical Ballet diretto da Evgeniya Bespalova si propone di conservare integralmente la tradizione del balletto classico russo. La compagnia è composta da un cast di ballerini diplomati nelle più prestigiose scuole coreografiche: Mosca, San Pietroburgo, Novosibirsk, Perm.

Dopo il lavoro svolto nella passata stagione, abbiamo pensato di svilupparne l’assetto, per così dire, “didattico” in questi allestimenti concertistici in cui affronteremo le vicende artistiche ed esistenziali di tre autori nobilissimi, di eccellenza che hanno segnato la storia, non solo del melodramma, che è patrimonio dell’umanità, ma, anche della cultura italiana. Naturalmente questa è la materia ideale di cui è composta la storia d’Italia, ma, al tempo stesso, partecipando della vicenda culturale dell’umanità tutta.
Dunque, non un’opera narrata e manifestata con la sequela di brani e pagine suonati e cantati per raccontare anche dell’autore e del suo tempo, ma la esecuzione di un florilegio di ogni compositore scelto tra le creazioni più significative. Il fine è di connotarne il profilo personale e artistico con precisa intenzione di mettere in luce la pertinenza dell’opera e la personalità dell’artista con la storia tutta del suo Paese. In questa stagione sarà l’Italia. La scelta è caduta su Donizetti, Verdi e Puccini. Per semplificare la tendenziosità dell’assunto, Italia dal Risorgimento al Regno.
Cultura e società non solo italiane, naturalmente. La musica è “parlata” e compresa da tutta l’umanità.
Michele Mirabella dialogherà con il maestro Mauro Trombetta e sarà affiancato dal pianista Marco Regazzi, dal coro San Gregorio Magno di Trecate e da alcuni cantanti lirici.

Helen non vede, non sente e non parla. E i suoi genitori non sanno dove sbattere la testa. La pietà e la rabbia, la speranza e il senso di sconfitta, l’amore e l’odio, ogni sentimento è concesso, ogni reazione è imprevedibile. E lei, Helen, cosa percepisce di quello che ha intorno?
Si accorge che la sua vita produce sofferenza?
In una società dove solo il bello è vincente, solo il sano è tollerato, padre e madre non hanno scampo: Helen va allontanata, messa in un istituto, nascosta, dimenticata. Ma in casa arriva Anna, dura, inflessibile, con una storia di semi cecità alle spalle, una vita trascorsa in mezzo a creature “difettate“.
È una storia vera e racconta l’epocale passaggio alla lingua dei segni, considerata tra le prime dieci grandi scoperte della storia moderna, un bene immateriale dell’umanità, una rivoluzione linguistica che ha permesso di aprire un dialogo tra chi parla e chi non parla. La lingua dei segni, in questo caso applicata sul palmo delle mani, un alfabeto tattile, che permetterà ad Helen di raccontare la sua storia, di apprendere, di esprimere sentimenti e necessità, di crescere e di farsi rispettare.
Grazie ad un adattamento che va all’essenza, Anna dei miracoli ci racconta tanto di noi, dei nostri limiti e del coraggio che ci vuole a superarli.

GIOVANNI melodramma in due atti di W. A. Mozart su libretto di Lorenzo Da Ponte
Prima rappresentazione Praga 29 ottobre 1787.
Opera realizzata in collaborazione con la Associazione Mayr-Donizetti di Bergamo.

Personaggi e interpreti principali

Donna Anna Annarita Taliento
Donna Elvira Giorgia Gazzola
Don Giovanni Paolo Battaglia
Leporello Matteo Peyrone
Don Ottavio Danilo Formaggia
Regia e impianto scenografico Valerio Lo Pane
Orchestra dei Colli Morenici
Coro San Gregorio Magno di Trecate
Direttore Damiano Carissoni

Le barzellette pescano nel torbido, nell’inconscio, ma attraverso l’ironia permettono di appropriarcene per smontarlo e conoscerlo. E poi la loro forza sta nel fatto che l’autore coincide perfettamente con l’attore. Non c’è uno Shakespeare delle storielle. Chi le racconta si prende la responsabilità di riscriverle in quel preciso momento. Ma anche l’ascoltatore diventa implicitamente un autore. Appena ascoltata, può a sua volta diventare un raccontatore e dunque un nuovo autore che la cambia, reinterpreta e improvvisa.
Le barzellette hanno attraversato il mondo e le culture vestendosi dell’abito locale, ma portando con sè elementi pescati ovunque. La stessa struttura di una storiella sarda che racconta la lite tra vicini la ritroviamo in una barzelletta cecoslovacca sull’invasione russa del ‘68. I carabinieri italiani in Francia diventano belgi. I tirchi sono scozzesi o genovesi e, un po’ ovunque, ebrei. Le barzellette sugli afroamericani quando arrivano in Italia finiscono sul corpo degli zingari. Se ne racconti solo un paio rischi di fare il gioco dei razzisti. Ma se ne metti in fila tante dimostri che nelle storielle c’è anche una grande compassione. Ci ricordano infatti che possiamo ridere di tutto e soprattutto di noi.

La commedia è la prima versione teatrale del mitico film di Monicelli, uscito nel 1958 e diventato col tempo un classico imperdibile della cinematografia italiana e non solo.
Le gesta maldestre ed esilaranti di un gruppo di ladri improvvisati sbarcano sulle scene rituffandoci nell’Italia povera ma vitale del secondo dopoguerra.
L’adattamento è fedele alla meravigliosa sceneggiatura di Age e Scarpelli senza rinunciare a trovate di scrittura e di regia per rendere moderna quell’epoca lontana.
Il cast si avvarrà di attori di primo piano cresciuti alla lezione di quei mostri sacri della recitazione che sono stati Gassman, Mastroianni, Totò e gli altri attori del film.
Uno spettacolo divertentissimo ed emozionante, assolutamente da non perdere.

Dopo il lavoro svolto nella passata stagione, abbiamo pensato di svilupparne l’assetto, per così dire, “didattico” in questi allestimenti concertistici in cui affronteremo le vicende artistiche ed esistenziali di tre autori nobilissimi, di eccellenza che hanno segnato la storia, non solo del melodramma, che è patrimonio dell’umanità, ma, anche della cultura italiana. Naturalmente questa è la materia ideale di cui è composta la storia d’Italia, ma, al tempo stesso, partecipando della vicenda culturale dell’umanità tutta.
Dunque, non un’opera narrata e manifestata con la sequela di brani e pagine suonati e cantati per raccontare anche dell’autore e del suo tempo, ma la esecuzione di un florilegio di ogni compositore scelto tra le creazioni più significative. Il fine è di connotarne il profilo personale e artistico con precisa intenzione di mettere in luce la pertinenza dell’opera e la personalità dell’artista con la storia tutta del suo Paese. In questa stagione sarà l’Italia. La scelta è caduta su Donizetti, Verdi e Puccini. Per semplificare la tendenziosità dell’assunto, Italia dal Risorgimento al Regno.
Cultura e società non solo italiane, naturalmente. La musica è “parlata” e compresa da tutta l’umanità.

Monologo intenso, personale e divertente che ruota attorno all’idea della paternità, sia essa ignorata, perduta, cercata o ritrovata. Un viaggio ispirato ai primi quattro canti dell’Odissea, in cui Telemaco, figlio di Ulisse va alla ricerca del padre mettendosi in cammino tra mare e terra in un percorso che sarà anche di crescita, di presa di coscienza di sé. Perché c’è sempre un momento nel quale il figlio può decidere di non essere più figlio e iniziare a esplorare la sua vita e percorrere la sua strada.
Con la sua affilata ironia e pescando dalla sua storia personale e dagli autori che più ama, Dix mette in scena un recital vivace e documentato per affermare il comune destino dei figli: la lotta individuale per meritare l’amore e l’eredità dei padri

L'Accademia di Formazione Orchestrale I Piccoli Pomeriggi Musicali è stata fortemente voluta dalla Fondazione I Pomeriggi Musicali. Nasce per promuovere la cultura orchestrale tra i giovanissimi avviati allo studio della musica preparandoli all'esecuzione dei concerti della Stagione di Musica per i Bambini, ma si pone anche lo scopo di appassionare le nuovissime generazioni al mondo della musica classica. Dell’Orchestra, che ha sede stabile presso il Teatro Dal Verme, fanno parte bambini e ragazzi in età compresa tra i 7 e i 17 anni provenienti dal Conservatorio di Milano e da varie Scuole ed Accademie Musicali milanesi. Il corso di formazione orchestrale è affidato al M° Daniele Parziani. L’orchestra fa parte della rete lombarda per la realizzazione del “Sistema” ispirato al progetto venezuelano di J. A. Abreu e partecipa in prima linea all’orchestra giovanile lombarda “FuturOrchestra”.

“Il piacere dell'onestà”, scritta del 1917, sarebbe un bel messaggio per la società ipocrita e disonesta di questi tempi. È un testo breve, ma non semplice e dalla trama molto intricata, che tratta di temi di carattere esistenziale, come quelli della differenza tra l'essere e l'apparire o tra la “maschera” e chi si è veramente.
Angelo Baldovino, un nobile decaduto, malvisto dalla società in cui vive a causa del suo passato costellato di imbrogli dovuti al vizio del gioco. Egli, su invito di un vecchio compagno di scuola, accetta di unirsi in matrimonio ad Agata, una giovane donna che aspetta un bambino da un nobile ammogliato, il marchese Fabio Colli. Un matrimonio, insomma, che deve creare l'apparenza della rispettabilità ed evitare lo scandalo, permettendo il continuare della tresca. Baldovino con quella scelta, vuole farsi vendetta “contro la società che nega ogni mia firma”, cercando di apparire onesto in un mondo che non rende affatto facile esserlo. Solo che quell'apparenza di onestà che gli viene richiesta spinge via via Angelo a comportarsi in modo sincero mentre tutti gli altri attorno a lui continuano a essere i mascalzoni di sempre. Solo la giovane Agata ne coglie il senso profondo, nutrendo per lui una specie d'amore. Così quello che è nato come un inganno sociale si trasforma nell'unione vera di due esseri. Geppy Gleijeses, dopo il successo della sua magnifica interpretazione di Domenico Soriano in “Filumena Marturano, affronta il protagonista de “Il piacere dell’onestà” con la classe indiscussa del primo attore, affiancato da un’attrice che si divide tra il cinema e il teatro, Vanessa Gravina.
La regia è di Liliana Cavani, la più grande regista donna che abbiamo, di fama internazionale. Così la stampa:

Nello spettacolo della Cavani è la limpidezza con cui è trattata la torbida materia. Ho percepito un senso (buono) dell’antico, del sobrio, del silenzioso. Merito primo e assoluto di Geppy Gleijeses, misurato allo stremo e poi di Vanessa Gravina, luminosa. Franco Cordelli – Corriere della Sera Sapori viscontiani e introspezione. Baldovino è reso da un grandissimo e medianico Geppy Gleijeses che riesce, in modo formidabile, a ricostituire la sagoma malsana e surreale d’una sorta di magnetico Salvo Randone. Rodolfo Di Giammarco – La Repubblica

Donne intraprendenti, controcorrente, spesso perseguitate, a volte incomprese: forti e generose, sempre pronte a lottare per raggiungere traguardi che sembravano inarrivabili, se non addirittura impensabili. Donne valorose che seppure hanno segnato la storia, contribuendo all’evoluzione dell’umanità, per uno strano sortilegio raramente vengono ricordate, con difficoltà appaiono nei libri di storia e tanto meno sonori conosciute come maestre e pioniere. Unite da un percorso comune di militanza per l’affermazione del punto di vista femminile, Serena Dandini e Lella Costa si ritrovano a convergere all’interno di un progetto teatrale: alcune delle Valorose ritratte da Serena nel suo libro saranno rigenerate con nuova linfa nella riscrittura scenica e nell'interpretazione di Lella Costa, in un gioco di rimandi, anche scenografici, tra le trame che hanno distinto le loro vite.

Nelle note di George Gershwin (1898-1937), musicista tra i più rappresentativi del Novecento, si riflette lo spirito del tempo in cui sono create, con gli umori e le atmosfere degli Anni Ruggenti. Partendo dai migliori brani del compositore, e dalle suggestioni provenienti dalle opere pittoriche di un altro grande artista americano del ‘900, Edward Hopper (1882-1967), Michele Merola ha realizzato Gershwin Suite, la cui colonna sonora antologizza le più accattivanti pagine dell’autore, come, tra le altre, Summertime, che sigla lo spettacolo e ricorre in più momenti e in diverse versioni, e Rhapsody in Blue.

Concept: Michele Merola e Cristina Spelti
Coreografia: Michele Merola
Musica: George Gershwin, Stefano Corrias
Interpreti: MM Contemporary Dance Company (9 danzatori)

Alla musica straordinaria di Franz Schubert Enrico Morelli ha voluto affidare il suo nuovo lavoro: nessuno meglio del compositore viennese ha saputo interpretare i sentimenti contrastanti d’amore, la tensione, la malinconia, il rimpianto, ma anche la speranza. Un collage di celeberrimi brani di Schubert, estratti da veri e propri capolavori di infinita bellezza - composti due secoli fa, stupiscono ancora oggi per la loro grande attualità - fanno da colonna sonora a questo lavoro dedicato alle molte anime dell’uomo contemporaneo, dove l’amore lascia il posto al disinganno, il distacco alla condivisione, la passione al timore, e viceversa, in un andare e venire fra crescendo e diminuendo, a rivelare interi universi e legami segreti.

Coreografia: Enrico Morelli
Musica: Franz Schubert
Interpreti: MM Contemporary Dance Company (9 danzatori)

La Giornata Mondiale Della Danza è stata istituita dall’Unesco per celebrare l’arte della danza. Per l’edizione 2020 la Fondazione Egri coinvolgerà otre alla Compagnia EgriBiancoDanza, nomi di spicco della danza nazionale ed internazionale, Verbania ed il CEM saranno al centro di una giornata in cui la Danza invaderà il teatro e le strade con eventi performatici in cui anche il pubblico sarà protagonista.

Infatti a questo evento è collegato uno speciale percorso di avvicinamento alla danza che si svilupperà durante i mesi invernali e che coinvolgerà fasce differenti di pubblico nello studio di diversi stili di danza: dalla danza classica all’hip hop, dal tango al contemporaneo, ai balli di sala sino alla danza afro.

Un percorso aggregativo, che è parte integrante del progetto di audience engagement previsto sul territorio di Verbania per il 2019/20. Un progetto di avvicinamento del pubblico alla danza con la supervisione e la partecipazione di danzatori professionisti, che si sviluppa in focus specifici e costanti presso il CEM fra novembre 2019 e marzo 2020 e trova la sua restituzione pubblica durante ii gala della Giornata Mondiale della Danza.

Ospiti d’onore della serata la straordinaria Anbeta e Alessandro Macario Primo Ballerino dal Teatro San Carlo di Napoli, Mick Zeni primo Ballerino del Teatro alla Scala di Milano

Manipolando gli strumenti democratici si può rendere fascista per anni un intero paese senza nemmeno dirla mai la parola “fascismo”, facendo in modo che il linguaggio fascista sia accettato socialmente in tutti i discorsi, buono per tutti i temi, come fosse una scatola senza etichette - né di destra né di sinistra - che può passare di mano in mano senza avere a che fare direttamente con il suo contenuto. Il contenuto. Ecco il problema essenziale.

Questo monologo offre istruzioni di metodo e in particolare istruzioni di linguaggio, l’infrastruttura culturale più manipolabile che abbiamo. Le parole generano comportamenti e chi controlla le parole di tutti controlla i comportamenti di tutti. È da lì, dai nomi che diamo alle cose e da come le raccontiamo, che il fascismo può affrontare la sfida di tornare contemporaneo. Se riusciamo a convincere un democratico al giorno a usare una parola che gli abbiamo dato noi, quella sfida possiamo vincerla.

L’Associazione Venti Lucenti, nasce nel 1993, fondata da Manu Lalli regista e direttore artistico dell’associazione. Da sempre si è occupata di teatro, educazione/formazione e di promozione socio-culturale. Un percorso di ricerca intenso, la cui base è il riconoscimento della potenzialità del teatro come strumento di crescita e di sviluppo per chi viene coinvolto in prima persona nella messa in scena di uno spettacolo.

Dopo la travolgente e appassionata “Aida” che ha coinvolto oltre 100 ragazzi del territorio, “venti lucenti” torna a “il Maggiore” con “Carmen”.

Uno spettacolo emozionante e coinvolgente per raccontare la storia della bella sigaraia di Bizet: una storia sulla quale è bene che la comunità di interroghi perché affronta argomenti come l’identità di genere e la violenza, la diversità e il nomadismo culturale come condizioni naturali dell’individuo. La “nostra Carmen”, infatti, è una donna libera che parla di libertà e che diventa, nel corso dello spettacolo, il simbolo di tutte le persone che nel tempo e nella storia hanno combattuto con tutte le loro forze per la loro libertà.

Lo spettacolo è parte di un progetto di divulgazione e avvicinamento all’opera lirica, giunto alla sua seconda edizione, che prevede la partecipazioni sul palcoscenico, insieme ad artisti professionisti, di oltre cento ragazzi delle scuole della provincia di Verbania insieme ai loro insegnanti, dopo un percorso di formazione corale e di arte scenica nelle scuole e in Teatro a cura di Venti Lucenti.

Carmen. Opéra comique in quattro atti. Libretto di Henry Meilhac e Ludovic Halévy, tratto dalla novella omonima di Prosper Mérimée, musica di Gorge Bizet. Prima rappresentazione: Parigi, Opéra-Comique, 3 marzo 1875.

Personaggi e interpreti principali:
Carmen Giorgia Gazzola
Micaela Annarita Taliento
Don José Danilo Formaggia

Coro San Gregorio Magno di Trecate
Orchestra dei Colli Morenici
Regia e impianto scenico Valerio Lo Pane
Direzione Damiano Carissoni

Un trio collaudatissimo, quello composto da Antonio Provasio (Teresa), Enrico Dalceri (Mabilia) e Luigi Campisi (Giovanni), che con talento e una capacità unica di tenere gli spettatori incollati alle poltrone, regalano risate senza sosta portando in scena quelle che ormai sono vere e proprie “maschere”, con un gioco di squadra perfetto, di grande affiatamento. Personaggi resi più moderni, con una comicità attuale, senza perdere mai di vista l’insegnamento originario di Musazzi, con cui Provasio ha lavorato per nove anni, entrato giovanissimo, appena maggiorenne, nella compagnia.

Quello dei Legnanesi è un mondo coloratissimo che prende vita ogni sera, una grande famiglia operosa e generosa.

Depositari orgogliosi di un patrimonio che si impegnano a valorizzare, di radici profonde da coltivare, I LEGNANESI rappresentano un’iniezione di buon umore, una parentesi divertente tra il grigiore quotidiano, un appuntamento immancabile per gli spettatori più affezionati e una piacevolissima scoperta per il nuovo pubblico che inizia a seguirli, incuriositi da un fenomeno quanto mai attuale.
“Non ci dimentichiamo mai di divertirci, facendo divertire, né di lasciare uno spunto di riflessione. La Famiglia Colombo riesce anche a parlare di valori veri, del gusto delle cose semplici, del calore di una famiglia.” sottolinea Provasio a nome di tutta la Compagnia.