TEATRO LA RIBALTA-KUNST DER VIELFALT
Un peep show per Cenerentola
“Un peep show per Cenerentola” del Teatro la Ribalta, scritto e diretto da Antonio Viganò con le coreografie di Michela Lucenti vede in scena due sorelle, in competizione tra loro. Cenerentola è un pretesto, una suggestione, che porta ai temi del desiderio, dell’apparire, della bellezza. Cenerentola è molto impegnata a pulire, a sanificare, a disinfettare, ma appena sarà consapevole e padrona del suo corpo e della sua bellezza non sarà più esclusiva del principe ma potrà essere ammirata da chi sarà disposto, a pagare per ascoltare la sua storia.
Durata 40 minuti
PONTUS LIDBERG – DANISH DANCE THEATRE
Centaur
Coreografo, danzatore e videomaker svedese, Pontus Lidberg ha prestato negli anni la sua arte a importanti compagnie internazionali tra Europa e America. Fondatore della Pontus Lidberg Dance, dal 2018 ha preso le redini artistiche del Danish Dance Theatre. La sua prima grande, e ambiziosa, produzione per la compagnia di Copenaghen è Centaur, titolo che inaugura il 40° Oriente Occidente Dance Festival.
Sperimentatore indefesso, attento osservatore delle trasformazioni della società, appassionato di tecnologia su cui riflette da sempre in relazione all’umano, Lidberg gioca nelle sue composizioni tra realismo e astrazione.
Dopo Siren, ospitato due anni fa al Festival, è ancora la mitologia greca a suggerirgli il titolo: Centaur (Centauro), ovvero la figura biforme partecipe della natura dell’uomo e del cavallo, che nel terzo millennio è, per il coreografo, una nuova creatura metà uomo e metà macchina. Affiancato dall’artista esperta di Intelligenza Artificiale Cecilie Waagner-Falkenstrøm e dal compositore elettronico giapponese Ryoji Ikeda, Lidberg esplora per la prima volta live l’uso dell’Intelligenza Artificiale come ‘partner’ dei suoi danzatori, incaricandola di creare un’opera d’arte totale. Il suo intervento condizionerà la struttura drammaturgica, la coreografia e la selezione della musica.
A David, questo è il nome dell’Intelligenza Artificiale programmata per lo spettacolo, sono state fornite informazioni sulle tragedie greche esistenti, sulla composizione musicale di Schubert, sui movimenti planetari e sugli stormi di uccelli nonché i dati raccolti in nove mesi di prova dei ballerini. Questi dati saranno istruzioni che David (che non è un robot come si potrebbe pensare bensì una voce come l’HAL di Kubrick in 2001: Odissea nello spazio) potrà scegliere e dispensare nel corso dello spettacolo sotto forma di discorso o testo proiettato sullo schermo. Il suo ‘pensiero’, dunque, diventerà materia per i danzatori. “Ma il suo intervento”, si domanda Lidberg “simulerà coscienza, emozione e intenzione?” Non ancora, ma lo spettacolo dimostra che questa tecnologia è già in grado di manipolarci e sedurci. Il cavallo è diventato l’uomo e l’uomo è diventato il computer. Ecco il nuovo centauro.
David, l’intelligenza artificiale partner dei danzatori in scena, parla e scrive in lingua inglese.
Durata 60 minuti
Ezio Mauro
Liberi dal male
La modernità ci ha abituato a guardare alla morte come a un evento insensato, incongruo. Invece un agente patogeno sconosciuto ci ha costretto a fare ogni giorno proprio il calcolo più elementare, quello tra chi vive e chi muore. Ma ogni diagramma, ogni conteggio che sembra possa svelarci il segreto della sventura, in realtà è doppio, parla di lui e di noi, e il saldo è la quantità della nostra paura quotidiana.
Ezio Mauro racconta il percorso del virus da quando è nato in Cina a oggi, come se fosse un soggetto sociale, studiandone la tattica, la strategia, il carattere. E intanto riflette su di noi, su come ci stiamo trasformando nel vortice dell’emergenza. Lui e noi: tutto il libro è costruito su questi due piani, in uno scambio continuo dalla prima all’ultima pagina.
Terra! Emergenza ambientale e Covid-19: una prospettiva geopolitica
La pandemia seppellirà ogni ipotesi di modificare i modelli di produzione e consumo per rendere il capitalismo ecologicamente sostenibile? Sarà, viceversa, una spinta al cambiamento? Oppure lascerà tutto come prima? Gli strumenti della geopolitica forniscono un'inedita angolatura attraverso cui osservare una delle sfide decisive del nostro tempo.
PABLO GIROLAMI
Gianni-Pasquale
Gianni-Pasquale ha 46 anni è sessualmente ambiguo, lunatico, mammone. Disperatamente innamorato, anche della sua disperazione, infligge alla sua amante impossibile un’infusione del suo tormento. Romantico e testardo, innamorato e sfigato, ingenuo e rabbioso. Quando si parla d’amore, siamo un po’ tutti Gianni-Pasquale.
Durata 15 minuti
Genealogia_time specific
Danzatrice e coreografa napoletana, Luna Cenere – tra le nuove leve della scena nazionale – torna da artista associata a Oriente Occidente con il progetto Genealogia, ribattezzato in tempi pandemici “time specific” in quanto per Oriente Occidente 2020 si prevede una nuova declinazione priva di contatto tra i corpi e un nuovo timing di prove. Un ripensamento per l’artista del progetto sviluppato intorno alla pratica collaudata di incontro attraverso seminari con amatori del territorio a cui si affiancano professionisti: insieme si ragiona sul corpo, sul suo statuto fisico-filosofico, si pratica la nudità come condizione naturale, una necessità poetica dell’autrice fin dagli esordi.
Il corpo come luogo, paesaggio, atto politico: ecco la cifra di Luna Cenere, ecco ciò che il pubblico scopre assistendo alle sue performance. Il gruppo di amatori di Rovereto, che ha risposto alla chiamata pubblica, inizierà a lavorare ad agosto e per la prima volta, dalla nascita del progetto, il pensiero sul corpo dovrà necessariamente prevedere un discorso performativo-comunitario senza contatto.
“Per me è come ricominciare da capo – spiega Luna Cenere. Le tappe precedenti di Genealogia in Emilia Romagna e nelle Marche sono state realizzate prima della pandemia. Ora è tutto diverso: a Rovereto nascerà una nuova ricerca frutto dell’esperienza traumatica che abbiamo vissuto. E ancor più forte sarà l’impatto nella sua ‘ambientazione’ alla Campana dei Caduti, luogo simbolico, storico, di commemorazione della sofferenza e della perdita. Mi immagino un rituale collettivo avente come focus l'umano. Lo spazio della Campana e la luce naturale del crepuscolo permetteranno al gruppo una relazione visiva, sonora, spaziale, di sguardi unica anche in assenza di contatto fisico”. Performer e pubblico a condividere un Adagio di corpi, paesaggio nel paesaggio, abbracciati dal tappeto sonoro profondo e viscerale firmato dal compositore napoletano Renato Grieco, portavoce del riduzionismo strumentale e della psicoacustica.
Durata 50 minuti
ARKADI ZAIDES
Talos
Fare del teatro, dell’arte, un viatico per la comprensione del mondo è ciò che spinge Arkadi Zaides a salire sul palcoscenico, a denunciare, a farsi attivista per i diritti umani. Di ritorno a Rovereto a cinque anni di distanza dal suo ‘politico’ e documentaristico assolo Archive, un’indagine scottante sulla gestione della convivenza nei territori occupati in Cisgiordania vista con gli occhi dei Palestinesi, l’artista bielorusso, attivo dapprima in Israele e ora in Francia, presenta al Festival Talos.
Un assolo che prende il nome del progetto di ricerca finanziato da 10 paesi e 14 istituzioni mondiali tra il 2008 e il 2013 mirante allo sviluppo di un sistema informatico avanzato per il monitoraggio dei confini territoriali. Misure di sorveglianza e controllo contro l’immigrazione clandestina con robot semi-autonomi a supporto delle guardie di frontiera. Nonostante il progetto europeo TALOS sia rimasto un esperimento, un vero e proprio test sulla capacità tecnologiche, la scoperta di tale ricerca ha condotto Zaides a sviluppare insieme a un’equipe composta da coreografi, drammaturghi, videoartisti il suo Talos per rispondere ad alcune domande: quale possibile relazione tra movimento, tecnologie innovative e futuro dei confini? Che tipo di coreografia nasce e si sviluppa in prossimità di un limite territoriale? Quali strategie restrittive definiscono il movimento?
In scena Zaides instaura un gioco dinamico di azione e reazione, limitazione e trasgressione, stasi e immobilità aiutato dalla tecnologia. Zaides ancora una volta vuole stimolare lo spirito critico dello spettatore: non presenta il suo punto di vista bensì i meccanismi che hanno spinto gli Stati promotori a sviluppare la ricerca. Di conseguenza la sua performance non si trasforma in spazio di dibattito, ma diviene strumento per catturare, esporre e far deragliare un'ideologia.
Durata 50 minuti
Dopo il Covid-19: estinguersi o cambiare
Interrogarsi su ciò che verrà dopo l'emergenza Covid-19 è necessario, tanto quanto rimanere lucidi su ciò che accade nel pieno della pandemia e sulla "normalità" dalla quale ci siamo allontanati. Caffo vuole una discussione universale su quel che sarà, nell'impegno di rendere il confronto tra tutti i viventi parte integrante del futuro che stiamo costruendo. La necessità del recupero di un rapporto antico con la natura, ritornando ad esperienze come quella di Thoreau e Wittgentein, sembra la chiave di volta per non commettere errori.
Peep show non omologato
Tre coppie, tre storie che si muovono a ritmo serrato. Tre round, uno per coppia. Ognuna è a un punto del suo percorso di senso, le luci si accendono e il pubblico si ritrova a condividere sbirciando da un buco sulla parete. Ogni spettatore è solo di fronte alla performance e il punto di vista cambia continuamente facendo disattendere ciò che sembrava chiaro poco prima.
Durata 30 minuti
Entre nous…
A dispetto del loro nome, e del titolo dello spettacolo che propongono a Rovereto, Tra di noi…, il Cirque Entre Nous conquista chi guarda, coinvolge lo spettatore nel calore umano e nella vertigine.
In scena sono in cinque, tutti artisti di formazione circense (e molto altro) di diversa nazionalità con esperienze nei più importanti chapiteaux del mondo: Héloise è francese, Constance svizzera, Jeremias e Matias argentini e David canadese. Per la loro avventura collettiva, avviata nel 2017 in Francia, si sono fatti affiancare da Lucas Condro, coreografo argentino formatosi alla SNDO di Amsterdam con David Zambrano. Insieme hanno viaggiato alla scoperta di nuovi orizzonti in un mondo senza frontiere artistiche e culturali.
La loro specialità è il palo cinese, disciplina antichissima – in Cina praticata fin dal XII secolo – a cui il circo contemporaneo (e la pole dance) ha dato nuova vita con acrobazie in scioltezza, coreografie aeree fluide e solida drammaturgia. Oltre alle tradizionali ‘pose’ acrobatiche, come quella divenuta mèta di abilità della bandiera umana in cui il corpo dell’artista si trova in aria al palo con il corpo parallelo al pavimento e vi resta per svariati secondi, nello spettacolo è l’organicità della relazione tra gli interpreti, le storie cantate e danzate a farla da padrone.
In uno spazio open air il pubblico trova tre pali cinesi di oltre 5 metri di altezza, qualche sedia sparsa e strumenti musicali. Presto questo spazio sarà invaso dai cinque protagonisti: dapprima circospetti, poi via via sempre più disposti agli sguardi, alla relazione, alle risate e ai racconti condivisi. La solidarietà al palo cresce con le evoluzioni, e il gruppo si fortifica tra virtuosismo e complicità. In souplesse, senza timore della gravità.
Durata 40 minuti
MARCOS MORAU – LA VERONAL
Sonoma
Investigatore visionario delle paure dell’umano, Marcos Morau torna a debuttare a Oriente Occidente con La Veronal, la compagnia fondata a Valencia nel 2005 nella quale sono radunati artisti provenienti dal cinema, dalla fotografia, dalla letteratura e dalla danza. Dopo Voronia, Los Pajaros muertos e Pasionaria – vincitore del Premio Danza&Danza ‘miglior spettacolo contemporaneo’ 2018 – al Teatro Zandonai va ora in scena Sonoma, ultima creazione per nove interpreti nella quale proietta il suo universo punteggiato di influenze pittoriche, teatrali, cinematografiche nel mondo del Surrealismo.
In Sonoma Morau segue il tema sviluppato in un precedente lavoro nato per il Ballet de Lorraine nel 2016, Le Surréalisme au service de la révolution, vincitore di un altro premio, quello della Critica di Danza spagnola, ispirato a Luis Buñuel e al mondo onirico del cineasta spagnolo, nonché al suo pensiero critico e politico, al vissuto personale sospeso tra disciplina Gesuita e libertà, e alla passione mai negata per il tamburo, strumento del folklore natale. “Buñuel non è mai stato così attuale”, spiega Morau. “Ha saputo vedere quello che il futuro ci stava riservando scoprendo, nel rumore dei tamburi di Calanda e dell’Aragona, quell’urlo proveniente dalle viscere. Lui era già all’oggi: ascoltava il suono dell’abisso che si apre quando l’immaginazione umana è libera ma l’uomo non lo è. Mi interessa il bisogno umano di sentirsi vivi, parte della società, avvolti dai propri desideri e timori e il fatto che talvolta per sopravvivere è necessario inventarsi una nuova realtà”.
Ambientazione onirica, dunque, luogo estraneo alle leggi della fisica dove l’ordinario diventa straordinario e la ragione accantonata. “Sonoma”, spiega ancora Morau, “sarà un luogo dove l’urlo dell’uomo costretto al ritmo dell’esistenza si fa primitivo. Dove il ritorno al corpo, alla carne, alla materia si perde nell’ora tra il sonno e la finzione. Una comunione con gli strati più irrazionali dell’umanità dove gli uniti gridano di separarsi e i separati cercano di congiungersi”.
Il titolo fa riferimento a due parole greche e latine: soma, corpo, e sonum, suono, ma rimanda anche alla Sonoma Valley californiana. Comunemente detta dai nativi Valley of the moon si narra che in questa Valle della luna, il nostro satellite, annidandosi sulle pianure ogni notte, trasformi le urla e i rumori ambientali in un’ipnotica ninna nanna, che tutto culla, e calma.
Durata 60 minuti
TOMMASO MONZA – NATISCALZI DT
Gabriel
Gabriel è il secondo lavoro della trilogia sul tema dell'Annunciazione della Compagnia Natiscalzi DT e indaga la figura del Messaggero. Gabriel è pieno di sfaccettature e resta in bilico fra divino e umano, fra ermetico, simbolico e limpida dichiarazione. Gabriel si manifesta.
Durata 20 minuti
COSTAS LAMPROULIS – UN-LABEL
Gravity and other attractions
Danza che non "ex-clude", danza che punta alla messa in circolo di voci e abilità molteplici. Danza che mira a sviluppare la capacità di vedere in “altro modo”, di sentire in “altro modo”. Che implica la necessità di accettare la diversità.
Sin dai suoi esordi Oriente Occidente ha puntato sull’inclusione, molti i lavori presentati in cui il bagaglio reale, la verità, si innestava nella ricerca estetica di questo o quel coreografo/regista ospite: da Pippo Delbono a Michela Lucenti, passando per i diversi artisti che hanno creato per Candoco, fino alla presentazione lo scorso anno di Stopgap Dance Company.
Inserito in progetti europei miranti a sviluppare nuovi strumenti per l’accessibilità dello spettacolo dal vivo come ImPArt-Performing Arts redesigned for an immediate accessibility (2017-2020) co-finanziato Creative Europe, il Festival ha scelto ora di presentare Gravity (and other attractions) della compagnia Un-Label, gruppo di ricerca global che mette in rete artisti, esperti, scienziati con diverse abilità al fine di sviluppare un background conoscitivo volto alla realizzazione di performance accessibili a tutti e che permetta a ogni essere umano di avere un’esperienza equa al prodotto artistico.
Come? Attraverso l’attenzione o lo sviluppo di segni artistici dell’interpretazione del linguaggio – sottotitolatura creativa, visual vernacular, nuove tecnologie, introduzioni e descrizioni - trasformati in elementi essenziali della drammaturgia dello spettacolo.
Gravity è il risultato di questa ricerca collettiva che ha coinvolto quattro paesi europei: Armenia, Germania Grecia e Italia. Un duetto di danza contemporanea e parola interpretato da Lolo e Tiki: lei udente, lui no. In una scena algida, i due sono seduti su sgabelli. Sembrano in attesa della metropolitana, di un treno. È un viaggio di corpi, voci e lingua dei segni quello che i ragazzi intraprendono insieme. Raccontano la loro storia; tutti la potranno udire e vedere grazie a una poetica audio-descrizione. Ciascuno dei presenti poi, ne costruirà una propria.
Durata 35 minuti
Giorgio Cuscito
La Cina di Xi alla prova del coronavirus
L’epidemia di Covid-19 ha esposto e in parte accentuato le faglie interne alla Repubblica Popolare Cinese. A partire dal divario tra la ricca costa e il povero entroterra, dal braccio di ferro con Hong Kong e dalle frizioni con Taiwan. In un momento così delicato, l’Impero del Centro deve fare i conti con gli Stati Uniti, più che mai intenzionati ad arginare l’ascesa tecnologica, militare e del soft power della Cina. La contesa non risparmia l'Italia.
ECHOES danze trasparenti
‘Figlia’ del post modern americano, Cristina Kristal Rizzo dopo gli studi a New York, al Merce Cunningham Studio e con Trisha Brown, ha avviato la sua attività di performer e dancemaker a Firenze. Fondatrice dello storico gruppo dell’avanguardia italiana anni Novanta Kinkaleri, dal 2008 intraprende un percorso autonomo di produzione e sperimentazione: un alternarsi di progetti performativi in luoghi non convenzionali e lavori di ampio respiro coreografico come il riuscito dittico VN Serenade sulla Notte Trasfigurata di Schönberg e la Serenata in do maggiore di Tchaikovsky coprodotto dal LAC di Lugano.
Solista di magnetica presenza, il suo nome trova un posto d’onore nella rivisitazione di assoli storici come la leggendaria Morte del cigno della Pavlova con lei trasformatosi in Invisible Piece o nell’interpretazione, sempre in assolo, di partiture-simbolo come la stravinskiana Sagra della primavera.
Il suo ultimo progetto collettivo muove dall’indagine della pratica corporea del ‘toccare/toccarsi’, non intesa come esplorazione della contact improvisation, tecnica di movimento nata negli USA negli anni Settanta che Rizzo ben conosce, quanto nella potenzialità espressiva, emotiva e intima dell’azione. Il Covid con le sue imposizioni restrittive ha poi cambiato l’evoluzione del progetto. In Echeos danze trasparenti “il materico - spiega Cristina Rizzo - sonda la relazione possibile con l’invisibile, il vuoto”. “L’emergenza sanitaria mi ha imposto di approcciare il tema del toccare da un altro punto di vista. Tra fisico e simbolico, toccare l’altro significa toccare tutti i possibili altri, inclusa la propria persona, significa trasferire il gesto del toccare dentro la danza”.
Prendono dunque forma dall’impasse della mancanza di tocco, dalla semplicità del respiro, dal suo andamento di riempimento e svuotamento, salita e discesa queste nuove danze trasparenti pensate per il giardino delle sculture del Mart, “di per sé - commenta la coreografa - luogo connotato come contenitore di altre danze”.
Alla luce naturale dell’imbrunire, sull’erba, i corpi dei danzatori (tra cui c’è anche Cristina Rizzo) proveranno a materializzare l’idea del tocco in carnalità simboliche, materiche ma al limite dell’evanescenza.
Durata 30 minuti
Keep in touch
Teniamoci in contatto. Una ricerca continua del contatto fisico, di incastri tra corpi e soluzioni possibili per non perdersi, per non lasciarsi. Dalle cabine del peep show si assiste a un incontro a 360 gradi, una storia di corpi che si abbracciano, si mescolano, si rigenerano, si aggrovigliano.
Durata 15 minuti
Adam Benjamin e Monica Morselli
Making an entrance
Un testo chiave per guardare alla danza come a un’arte trasversale, che abbraccia le diversità aprendo nuovi orizzonti esperienziali, educativi, performativi. Una lettura essenziale per chiunque desideri interrogarsi su alcune fra le sfide artistiche e formative più urgenti con le quali il mondo della danza è chiamato a misurarsi, in modo sempre più coraggioso e libero. Scritto da Adam Benjamin circa 20 anni fa ma più che mai attuale per visione e contenuti, Making an Entrance oggi può essere letto anche in italiano. L’invito di Benjamin - oggi condiviso da una comunità internazionale di artisti - è di avventurarsi nel territorio aperto di una pratica che integra danzatori disabili e non disabili considerati su un piano di parità, dove corpi diversi dialogano esplorando le proprie diversità, anziché negarle. Il libro sarà presentato dall’autore con Monica Morselli, danzaterapeuta, insegnante di DanceAbility e Contact Improvisation, curatrice della traduzione italiana per Cue Press.
Le Europe del virus
L'epidemia ha portato in superficie tutte le faglie che ancora solcano il nostro continente, dalla bomba atomica del debito italiano alla competizione tra grandi potenze. Il negoziato europeo sui fondi per la ripresa economica: che cosa segnala della strategia della Germania? E perché gli olandesi non ci amano? Un momento di straordinaria chiarezza per la geopolitica europea.
DANIELE NINARELLO
Pastorale
Quattro danzatori che non si toccano mai, pur condividendo il medesimo palcoscenico. È stato pensato prima dell’emergenza Covid e delle regole di distanziamento Pastorale di Daniele Ninarello, coreografo tra i più promettenti della scena italiana, dal 2007 fautore di una personale ricerca e cifra.
Nato dal desiderio del coreografo torinese di affrontare il tema della riunificazione, di ritrovare attraverso una forma ‘rituale’ quell’intonazione del proprio corpo con il tutto, con il ritmo universale, Pastorale deve la sua gestazione a una suggestione visiva avuta dal coreografo al MOMA di New York: l’omonima e celebre tela di Paul Klee Pastorale (Rhythms), dipinta nel 1927. Come Klee disegnava sequenze ripetute di simboli in linea, testimonianza di un’ossessività del segno che nel rimandare a se stesso evolve, Ninarello mostra nel lavoro un ciclo di quattro rituali coreografici esperienziali concepiti a partire da pratiche anatomiche, da un semplice sistema di segni.
Sequenze ripetute da ogni danzatore secondo traiettorie spaziali sviluppate a partire dal ritmo ‘basico’ della camminata - secondo i dettami della postmodern che da Steve Paxton giunge fino a Anne Teresa De Keersmaeker. Un parossistico gioco di ripetizione nel tentativo del singolo di provare a emergere da sé, per accedere all’altrove. Un processo mantrico il cui scopo sarebbe l’avvicinarsi gradualmente, allineandosi al collettivo. Detto in altri termini una continua ‘accordatura tra i corpi’ al fine di far emergere una mente collettiva.
Accompagnato dall’organicità del jazz minimalista tonale e sinfonico di Dan Kinzelman, suo fedele collaboratore dai tempi del riuscitissimo duetto Kudoku, ispirato a sua volta dai componimenti del “vichingo della 6° strada” di New York, il compositore antesignano del postmodernismo e della world music Moondog, Ninarello vince la nostalgia dell’unisono in una Pastorale che non ha nulla di bucolico, semmai lotta con l’entropia del cosmo per cercare un ordine nella Natura.
Allo spettacolo segue un incontro-dialogo tra Daniele Ninarello e la dramaturg Gaia Clotilde Chernetich
Durata 50 minuti
PEP RAMIS & MARíA MUÑOZ – MAL PELO
The Mountain, the Truth & the Paradise
C’è Erri de Luca, con la sua poesia-manifesto Valore (“Considero valore ogni forma di vita, la neve, la fragola, la mosca”) a ispirare Pep Ramis per il suo ultimo assolo The Mountain, the Truth & the Paradise, ovvero La Montagna, la Verità e il Paradiso. Un assolo che nasce dalla necessità di Ramis, a cinquant’anni, di tornare in scena da solo per rinvigorire la propria esperienza artistica e riesaminare un percorso stratificato negli anni con la compagnia Mal Pelo da lui fondata nel 1989 con María Muñoz a Celrà, in Catalogna, dove da un ventennio sorge anche il loro centro per le arti e gli scambi interdisciplinari L’animal a l’esquena (L’animale sulla schiena, dal titolo di un loro celebre duetto del 2009) su 19 ettari di incontaminato terreno.
The Mountain, the Truth & the Paradise è un tuffo nel presente e un personalissimo sguardo, a tratti divertente, a tratti tragico, sull’uomo e il mondo che lo circonda. Sessanta minuti in cui l’abuso del paesaggio, i valori dimenticati, la religione e i suoi clichés emergono con prepotenza. Il corpo di Ramis cesella l’aria e lo spazio, la sua calda voce declama testi oscillanti tra l’intimidatorio e la preghiera, riserva battute di spirito.
Disseminato di influenze letterarie e bibliche The Mountain, the Truth & the Paradise è dominato dall’elemento polvere. È la polvere a ricoprire come candida neve il palcoscenico, a diventare cenere sul capo del protagonista, fumo che inebria con il movimento, vapore da surriscaldamento globale. Sembra quasi che Ramis voglia incarnare qui un celebre verso della Terra desolata di T. S. Eliot: “Ti mostrerò la paura in una manciata di polvere”. Ma di quale paura ci parla? Della morte o più semplicemente della paura dettata dalla scoperta di aver perso qualcosa di veramente importante per qualcosa d’altro di poco conto?
Durata 60 minuti
LUCREZIA GABRIELI E SOFIA MAGNANI
Serenade you
Serenade you è una serenata da ascoltare affacciati alla finestra. Per guardarsi, seppur da lontano. Con un tono leggero e un’atmosfera infantile, tra i colori di Mark Rothko e le note di Wolfgang Amadeus Mozart, i corpi che danzano raccontano il peso dell’interazione umana, del distacco, della profondità – o superficialità – delle relazioni.
Durata 15 minuti
Lucio Caracciolo
Il mondo virato. Come (non) cambia la competizione geopolitica
Gli effetti del Covid-19 sulle principali partite del globo, approfondite dai fusi virali, dal jet lag della malattia. L'America piagata dal morbo e in preda alla furia antirazzista si trova al bivio con la Cina: spartizione dell'influenza o scontro totale? Che cosa segnala davvero Black Lives Matter del momento degli Stati Uniti?
FRANCESCO COLALEO & MAXIME FREIXAS - CIE MF
C’est pas grave
Compagnia francese, Cie MF / Maxime & Francesco appartiene a quella prolifera schiera di gruppi nati nella seconda decade del Terzo millennio guidati da autori dallo sguardo acuto e disincantato sull’attualità. Un teatro di danza, quello di Maxime Freixas e Francesco Colaleo, nel quale le discipline si incontrano, le tecniche di movimento si ibridano – contact, floorwork, improvvisazione -, la scena subisce influenze dagli ambiti pittorici e cinematografici, il messaggio mai si slega dall’osservazione dell’oggi e degli individui.
Tra leggerezza, analisi, insolenza e ironia, gli spettacoli di Freixas e Colaleo – in molte occasioni duetti da loro stessi interpretati – toccano il pubblico, lo spingono a un processo di riconoscimento. Che si tratti di due monelli che si sfidano in scena a colpi d’ingegno (Chenapan), oppure di un gioco di sguardi e percezioni dell’altro da sé (Re-Garde) o di un collettivo studio in parrucca sull’identità nella liquida società di oggi (Farde-moi, ovvero imbellettami in francese), la coppia di autori indirizza la scrittura coreografica verso un teatrodanza tragicomico, in costante dialogo con il pubblico.
Non si allontana da questa linea poetica l’ultimo lavoro coprodotto da Oriente Occidente intitolato C’est pas grave, un duetto interpretato dagli autori sulle diverse accezioni del termine gravità: dai campi gravitazionali della fisica, che spingono a disegnare lo spazio performativo con un centro verso cui le forze tendono, alla condizione umana-psicologica di gravità, da vincere attraverso una scrittura simbolica-coreografica che verte allo humor e a toni ‘leggeri’. Non farsi soggiogare dal peso degli eventi, dalle difficoltà, è il Leitmotiv di questo pezzo nel quale il pubblico è direttamente coinvolto. Invitato dapprima a costruire aeroplanini di carta, poi a lanciarli a discrezione nello spazio ‘gravitazionale’ dei performer. Alea iacta est!
Durata 50 minuti
Over the Rainbow
Coreografo proiettato nell’oggi, nutrito di vocabolario classico arricchito da arzigogolate linee delle braccia e giochi di merletto, Matteo Levaggi ha da tempo un rapporto privilegiato con l’arte visiva per le sue composizioni. Pluriennale, dalla sua presenza al Balletto di Torino come coreografo principale, la collaborazione con Corpicrudi sfociata nella trilogia di successo Primo Toccare, proseguita poi da freelance con lo spettacolo Death Speaks per il Museo MADRE di Napoli.
Ora ad affascinare il coreografo è il plurisemico artista Umberto Chiodi: una condivisione di intenti che li ha condotti a realizzare il site specific Over the Rainbow (Oltre l’Arcobaleno) per Oriente Occidente e il Mart. Qui il discorso di ibridazione e di assemblage di materiali di Chiodi si estende alla contaminazione con un altro linguaggio espressivo: la danza. Tanto da spingere la stratificazione appartenente al codice del coreografo a ricercare un grado zero per ripartire con altri presupposti nella relazione con l’oggetto d’artista.
L’oggetto, in realtà, sono quattro coloratissimi Assemblaggi luminosi posizionati nella sala al secondo piano del Mart dove si staglia alla parete il Wall drawing di Sol Lewitt, uno dei capolavori minimalisti dell’artista statunitense. Location non casuale data la relazione privilegiata di Lewitt con la nascente danza postmoderna newyorkese negli anni Settanta e in particolare con Lucinda Childs. Contrariamente al bianco e nero dell’opera di Lewitt, gli Assemblaggi di Chiodi sono coloratissimi: segni astratti costruiti con frammenti riaccordati di oggetti di consumo - trofei, giocattoli, lampadari -, che assumono la forma ambigua e pseudofunzionale di lampade multicolor. Luci che sono ‘corpi estranei’ al corpo in carne ed ossa del danzatore, chiamati dall’artista hula hoops ‘preparati’ citando il piano preparato di John Cage. Come quel piano il cui suono veniva modificato da oggetti inseriti tra le corde anche gli Assemblaggi hula hoops portano nella loro cavità altri oggetti, campanelli, sabbia tanto da trasformarsi in strumenti musicali. Una sfida alla finitezza dei corpi dei danzatori, che avranno una protesi con cui confrontarsi in tempi di distanziamento e una sfida alla composizione coreografica costretta a ‘concertarsi’ con questi oggetti.
Durata 25 minuti
MICHAL MUALEM – NATURALIS LABOR
Plonter
L’impossibilità di muoversi da una condizione precisa, la bellezza della fragilità del momento, la contraddizione tra voler trattenere e il desiderio che passi: in queste mille sfumature sono elencate le nostre risorse e le nostre fragilità, custodite nei luoghi più segreti di noi, che riemergono quando meno ce lo aspettiamo.
Durata 15 minuti
Paso doble
Lei Jessi, lui John.
Un amore perduto. Un’ultima danza assieme, tra ricordi che si rincorrono e nostalgie di lui. Ironia e forza si coniugano attraverso la forza dei “due” interpreti.
Durata 15 minuti
Fabrice Olivier Dubosc
Sognare la Terra
La nostra epoca è segnata dalla parola “crisi”. Nessun aspetto ne è al riparo: lo Stato, l’Europa, le istituzioni, la giustizia, la scuola, il sistema sanitario, l’educazione, le famiglie. Dubosc, in piena emergenza economica, sociale e sanitaria, oltre che ambientale, entra nel vivo della crisi aperta dalla pandemia osservando l’acuirsi delle disuguaglianze, le risonanze psichiche dell’isolamento, la medicalizzazione radicale della vita e della morte e soprattutto il rapporto imprescindibile tra salute e ambiente. Un lavoro di scrittura avviato da tempo sul “perché” e sul “dopo”, una riflessione sull’antropocene.
The Queen
L’iconografia barocca e la pittura di Van Eyck, le affascinanti figure austere delle regine con enormi gorgiere, visi imbiancati, lunghi e ricchi mantelli damascati sono la massima rappresentazione del Potere. Ma se il potere fosse solo una facciata che svela una insospettabile e umana fragilità?
Durata 15 minuti
MERCE CUNNINGHAM TRUST
Cunningham Centennial Solos: Oriente Occidente Dance Festival
Esiste, per la danza, un prima e un dopo Merce Cunningham. Probabilmente il coreografo più influente del ventesimo secolo, colui che ha rivoluzionato il modo copernicano l’osservazione della danza, ha trasformato il palcoscenico in uno spazio democratico, ha esplorato - con il compagno d’arte e vita John Cage - il caso e il distanziamento tra musica e movimento pur nella coesistenza del medesimo spazio-tempo della performance.
Oggi la sua arte sopravvive grazie al Merce Cunningham Trust, costituito nel 2000, depositario del suo repertorio coreografico, del suo processo creativi, e del suo insegnamento. Per celebrare i cento anni dalla nascita del visionario artista americano, tra settembre 2018 e dicembre 2019 nel mondo sono stati programmati 636 eventi, tra performance, proiezioni di film, ricerche e pubblicazioni, masterclass e workshop che hanno raggiunto oltre 127.000 persone. Evento clou delle celebrazioni è stata la Night of 100 Solos: A Centennial Event, la notte di danza programmata contemporaneamente a Londra, New York e Los Angeles il giorno del suo centesimo compleanno (16 aprile 2019), nel corso della quale più di 100 artisti tra danzatori e musicisti si sono esibiti in suoi pezzi per ricordarlo. Coreografie in assolo che oggi continuano a vivere, presentate da molti danzatori in diversi contesti su licenza del Trust.
Si deve a Daniel Squire, ex danzatore della compagnia di Cunningham, sciolta nel 2011 per volontà testamentaria del coreografo, già ideatore della versione londinese della Night of 100 Solos: A Centennial event 2019 di Londra, la serata-omaggio costruita appositamente per Oriente Occidente 2020 al Teatro Zandonai e il site specific programmato per le vie del centro di Rovereto.
Coinvolti dieci danzatori, dal diverso background e con esperienze nelle più importanti compagnie europee – Rambert, Dresden Frankfurt Dance Company, Michael Clark Company – a interpretare gli assoli estrapolati dallo sterminato repertorio di Cunningham e accompagnati dalla musica di John King 100tone-candles. Dieci danzatori presentano un assaggio delle coreografie di Merce con diverse energie, miriadi di dinamiche, inaspettati cambi di direzione e ricche articolazioni. Attraverso un arrangiamento di quaranta assoli di oltre ventinove opere di Cunningham che abbracciano più di cinquant'anni, il pubblico partecipa a un'esperienza unica di danza.
Durata 60 minuti
ALESSANDRO PIETROLINI - SONICS
OSA
“Non tutti nascono con i piedi per terra”. Con questo slogan troneggiante nella homepage del sito, Sonics chiarisce, senza titubanze né esitazioni, la mission del percorso artistico scelto.
Compagnia di danza aerea acrobatica tra le più note a livello europeo, pioniera del genere nel nostro paese, Sonics nasce a Torino nel 2001 da un’idea di Alessandro Pietrolini e Ileana Prudente, rispettivamente direttore artistico e regista degli spettacoli e performer e costumista del gruppo.
Otto diversi spettacoli a oggi compongono il carnet de bal del gruppo - Meraviglia, Duum, Osa, Steam, Locanda Lumière, Toren, Wish, Flight – presentati ai quattro angoli del globo. Migliaia di persone tenute rigorosamente con il naso all’insù e il fiato sospeso, come avvenne per l’esibizione della Chiusura dei Giochi Olimpici di Torino 2006 o l’Inaugurazione dello Stadio Olimpico di Kiev nell’ambito degli Europei di Calcio 2012.
A Oriente Occidente presentano Osa, spettacolo magico in cui i sei corpi dei performer, sospesi su una grande piramide d'acciaio ribaltata, danno vita a leggeri volteggi acrobatici per un'ora di adrenalina ed emozioni. In Osa la sfida alla gravità si vince con evoluzioni al trapezio, al cerchio, alle corde e al tessuto aereo: lì si delineano sinuose figure, concatenazioni coreografiche, unisoni, movimenti atletici sospesi tra sogno e realtà. Qui prestanza atletica e grazia nel movimento si associano a una ferrea disciplina fisica e mentale, necessaria per poter superare in continuazione i propri limiti. Senza il coraggio di riuscire a fare qualcosa fino a poco prima pensato come inaccessibile, i Sonics non esisterebbero.
Durata 60 minuti
Barbara Serra
Presentazione e proiezione del documentario
Fascism in the Family
La parola Fascismo si sente spesso di questi tempi, sia in Italia che all’estero dove, in inglese, viene spesso usata come termine generico per definire i vari movimenti nazionalisti in salita attorno al mondo. Stiamo veramente assistendo ad un riemergere di forme di fascismo? E come spiegare la relazione che l’Italia ha con il suo passato fascista ad un pubblico generalista internazionale?
Una delle poche giornaliste italiane che lavora nei i grandi media internazionali, Barbara Serra, lo fa nel suo nuovo documentario ‘Fascism in the Family’ dove esamina la storia di suo nonno, podestà di Carbonia, città di fondazione mineraria sarda, per esplorare cosa volesse dire vivere sotto il regime fascista di Benito Mussolini, e se l’ideologia fascista ha un impatto sui movimenti nazionalisti che vediamo al giorno d’oggi.
I miei fragili amici
I miei fragili amici sono incontri invisibili, ma anche in carne ed ossa.
Esiste un prima e un dopo di loro: I miei fragili amici mi insegnano una lingua in cui fare attenzione al sottile è l’elemento primo e ultimo. I miei fragili amici sono nelle parti oscure di ognuno di noi. Perché quando la fragilità incontra il buio, lo illumina di un pulsare che genera un nuovo andamento.
I miei fragili amici sono capaci di un nuovo andamento.
Durata 20 minuti
Barbara Serra
L’Europa della pandemia: quale equilibrio, quale futuro?
Come ha reagito l’Europa all’emergenza Covid-19? Quali differenze hanno caratterizzato le politiche dei Paesi dell’Unione? E oltre l’Unione, nel Paese del Brexit, cosa è accaduto? Come hanno interagito – se lo hanno fatto – due questioni tanto importanti come l’uscita dall’Unione Europea del Regno Unito e la pandemia che ha travolto anche il Paese della regina. Giornalista televisiva di grande esperienza, prima anchorwoman non madrelingua a condurre un tg inglese su Channel 5 e oggi corrispondente per Al Jazeera English, Barbara Serra attraversa gli ultimi mesi del Vecchio Continente con uno sguardo autorevole sulla politica internazionale e sulle nuove dinamiche culturali che caratterizzano lo scenario attuale.
ABBONDANZA/BERTONI
Hyenas. Forme di minotauri contemporanei
Vige una certa classicità nel discorso tutto contemporaneo sulla danza portato avanti da quasi trent’anni da Michele Abbondanza e Antonella Bertoni con la loro compagnia di base a Rovereto. Classicità nelle fonti (Alcesti, Medea, Figli d’Adamo, Spartacus), nella forma e nelle unità di narrazione, passata di moda secondo alcuni, dediti più all’esaltazione del processo che alla realizzazione di un prodotto compiuto e coerente. La classicità di Abbondanza/Bertoni è di quelle però in cui si innesta l’oggi, l’acuta osservazione della realtà trasposta in un teatrodanza di chiara scuola e discendenza, fatto proprio negli anni e modulato a seconda dei progetti e dei cicli tematici di indagine. Non si scosta da questa linea il loro ultimo lavoro Hyenas, seconda tappa del progetto triennale Hybrid, dopo Clown Time, nel quale Michele e Antonella esplorano il rapporto tra l’umano e la bestia.
Definito dai creatori “un pezzo per cinque minotauri” (ecco nuovamente la classicità), Hyenas è un discorso intorno al volto, alla faccia o meglio alla ‘facciata’ che nasconde e maschera. Lo spettacolo traspone l’idea del minotauro classico - uomo con testa di toro - in uomo/donna del Terzo Millennio con testa di pecora. Ma, come ricorda il titolo, con carattere da iena. L’idea è di mettere in scena una sorta di festa, un rave, in cui un piccolo gruppo di persone si mostrerà nello spensierato agire mondano. Tanto da perdere il controllo, tanto da mettere in mostra la parte più profonda di sé, smascherandosi. Da capire, con la visione al debutto, chi siano veramente questi minotauri contemporanei secondo gli autori. Un gruppo di eletti? Uomini e donne vigliacchi, viziati e potenti?
La coreografia fa coesistere sul palco i cinque danzatori senza mai toccarsi, nel rispetto delle norme vigenti contro il Covid, a testimonianza del momento storico in cui il pezzo è stato creato. Tutti in scena porteranno una maschera, per fini drammaturgici. Una maschera, che è un vero e proprio calco delle teste dei danzatori con fattezze da pecora, frutto della fantasia dell’artista bulgara Nadezhda Simeonova incaricata del camuffamento.
Durata 60 minuti